Los
antiguos egipcios desarrollaron una técnica que ahora llamamos "al Temple"
que consistía en la preparación de los colores añadiendo al pigmento una
mezcla de engrudo o gomas (colas) y huevo. Si la obra debía ser transportada
añadían cera con algo de aceite para permitir una mayor adherencia del
color al material que serviría de soporte a la obra. Dicha técnica requiere
de una gran destreza para aplicarse debido a que los colores no se fusionan
bien si estaban frescos aún, en la tabla, muro, objeto o tela en que eran
impregnados.
Al final de la Edad Media (durante siglos XIII y XIV), la principal técnica de la pintura la constituía el fresco, que requería múltiples veladuras de temple al huevo. El temple era preparado con clara, yema de huevo, retoños de higuera y agua, todos ellos fáciles de conseguir. A diferencia de estos materiales, los que servían para fabricar los pigmentos eran, en muchos casos, escasos y caros (ver paginas de fabricación del color) ya que provenían de piedras preciosas, plantas o minerales de tierras lejanas.
En este periodo se desarrolla la pintura alusiva a la figura de algún personaje santificado o bíblico, que en lo fundamental era obra relativamente pequeña (de 30 a 50 cm por lado), trabajada sobre una tabla delgada asentada sobre un caballete.
Tales obras podían ser transportadas con cierta facilidad, por lo que se difundió con alguna rapidez entre los señores y las castas nobiliarias el hecho de contar no solo con frescos (murales) en los grandes muros de sus castillos y palacios, sino también con obras enmarcadas y transportables. Si bien en regiones húmedas, el material de la obra sufría graves deterioros en un plazo breve.
Como los colores no se mezclaban entre sí estando aún frescos, se tenían que preparar decenas de éstos para poder dar los tonos, luces y sombras de la obra, o bien se aplicaban sucesivamente tras el secado, decenas de capas de pintura.
Los colores dorados que se observan recurrentemente en temas religiosos o telas y en la joyería de los retratos de la época se lograban aplicando láminas de oro cuidadosamente con un temple de clara de huevo muy fresco. Y lo esparcían con una gema preciosa o un diente grande de animal bien pulido.
La investigación constante de los artistas por encontrar materiales disponibles y que permitiesen además a las obras mantenerse intactas el mayor tiempo posible, así como lograr mayores capacidades de brillantez e intensidad de tonos, permitió, hacia finales del siglo XIII y principios del XIV, descubrir el uso de materiales grasos usados como barnices. Los barnices protegen la obra de las inclemencias del clima al ser aplicados al conjunto de la misma como un recubrimiento final.
Las nuevas mezclas permitían mezclar colores aún húmedos y lograban mayor brillantez al aplicar barnices al finalizar la obra. Esto aumentaba el fervor de los artistas por la investigación permanente de nuevas formas de usar mezclas de aceites vegetales y minerales.
Al final de la Edad Media (durante siglos XIII y XIV), la principal técnica de la pintura la constituía el fresco, que requería múltiples veladuras de temple al huevo. El temple era preparado con clara, yema de huevo, retoños de higuera y agua, todos ellos fáciles de conseguir. A diferencia de estos materiales, los que servían para fabricar los pigmentos eran, en muchos casos, escasos y caros (ver paginas de fabricación del color) ya que provenían de piedras preciosas, plantas o minerales de tierras lejanas.
En este periodo se desarrolla la pintura alusiva a la figura de algún personaje santificado o bíblico, que en lo fundamental era obra relativamente pequeña (de 30 a 50 cm por lado), trabajada sobre una tabla delgada asentada sobre un caballete.
Tales obras podían ser transportadas con cierta facilidad, por lo que se difundió con alguna rapidez entre los señores y las castas nobiliarias el hecho de contar no solo con frescos (murales) en los grandes muros de sus castillos y palacios, sino también con obras enmarcadas y transportables. Si bien en regiones húmedas, el material de la obra sufría graves deterioros en un plazo breve.
Como los colores no se mezclaban entre sí estando aún frescos, se tenían que preparar decenas de éstos para poder dar los tonos, luces y sombras de la obra, o bien se aplicaban sucesivamente tras el secado, decenas de capas de pintura.
Los colores dorados que se observan recurrentemente en temas religiosos o telas y en la joyería de los retratos de la época se lograban aplicando láminas de oro cuidadosamente con un temple de clara de huevo muy fresco. Y lo esparcían con una gema preciosa o un diente grande de animal bien pulido.
La investigación constante de los artistas por encontrar materiales disponibles y que permitiesen además a las obras mantenerse intactas el mayor tiempo posible, así como lograr mayores capacidades de brillantez e intensidad de tonos, permitió, hacia finales del siglo XIII y principios del XIV, descubrir el uso de materiales grasos usados como barnices. Los barnices protegen la obra de las inclemencias del clima al ser aplicados al conjunto de la misma como un recubrimiento final.
Las nuevas mezclas permitían mezclar colores aún húmedos y lograban mayor brillantez al aplicar barnices al finalizar la obra. Esto aumentaba el fervor de los artistas por la investigación permanente de nuevas formas de usar mezclas de aceites vegetales y minerales.
