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Inició durante los
años veinte de este siglo, como una reacción contra el impresionismo,
utilizando elementos geométricos de acuerdo a principios no muy rígidos,
en sus concepciones el orden conceptual es de mayor importancia ante
lo sensorial, ya que, no acepta la copia de la naturaleza, sino una
armonía paralela a ella interpretada con sus propias leyes y normas,
derivadas del pensamiento matemático. Algunos de los representantes
de la EXPRESION ABSTRACTA, se inspiraron en la teoría de la sección
áurea, otros en la estructura de las composiciones musicales que se
fundamentaban en la base cifrada, y algunos más se fundamentaron en
la estructura de la música dionisiaca. La base del color y las leyes
de la geometría propuestas por Pascal, constituyeron la importancia
y fundamento de la obra de artistas de esa época. Perfección en el uso
del lenguaje geométrico y objetivo fue la propuesta de los maestros
del ARTE STIJL. La influencia de la abstracción geométrica, se manifestó
durante varias décadas, siendo sus principales representantes: Léger,
Delaunay, Kupka, Kandinsky, Malevich quien escribió el libro Mundo sin
objetos (1927), Mondrian, Van der Leck y Albers, enlace entre las tendencias
de la abstracción geométrica de América con sus antecedentes europeos.
En México, Vicente Rojo y sobretodo Pedro Friedeberg sin duda han sido
partícipes de este movimiento. A Seurat y Cézanne se les consideró lo
primeros representantes de este lenguaje artístico que buscó interpretar
el universo desde sus propias leyes. |
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En
la abstracción lírica destacó Wassily Kandinsky (1866-1944) sus primeras
obras son figurativas, describen formas estilizadas de colores intensos.
Su pintura se transformó hasta lograr una abstracción madura, donde las
formas y los colores -según su autor- responden a una necesidad interior.
El artista dedujo que en el arte abstracto la forma y el color son el
lenguaje para expresar una emoción y comunicarla al igual que se logra
con el sonido en la música. Paul Klee en su obra también manifestó ese
carácter intuitivo.
El término ABSTRACCION LIRICA fue usado por el pintor Georges Mathieu, posteriormente el crítico Pierre Restany definió con él la pintura significa y un género de ABSTRACCIONISMO NO GEOMETRICO. 
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Género
de paisaje creado desde la antigüedad, y aunque era imposible acuñar el
término, las características del género se aprecian en apuntes de Leonardo
da Vinci.
El Doctor Atl lo describió en el manifiesto publicado en 1958: "De pie sobre una colina, nuestros ojos contemplan panoramas cuya estructura aparece formada por planos horizontales y verticales y nuestro tradicionalismo topográfico y estético nos hace buscar algo que podemos tener junto a nosotros -un primer plano- desde el aeroplano, el primer término tradicional desaparece. Donde estamos acostumbrados a ver rocas, árboles o casas, no hay nada. El aeropaisaje no tiene primeros planos. Es necesario desentenderse de la tradición y representar sin prejuicios el aeropaisaje que tiene una estructura física y un sentido espiritual muy diferente del tierra paisaje. Los horizontes se curvan, las cimas están abajo y los montes se transforman en ondas de luz; el claroscuro se disloca, las nubes ruedan a nuestros pies y el movimiento del aeroplano sobre el movimiento de los cúmulos vaporosos multiplica nuestras sensaciones y las sobrepone con fantástica rapidez. El aeropaisaje es el túmulo de los cielos y de la tierra, hecho ritmo de belleza en la conciencia del hombre".
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Estilo
decorativo que debe su nombre a la Exposition Internationale des Arts
décoratifs et Industriels Modernes, realizada en París, Francia, en 1925,
aunque sus orígenes deben buscarse en la primera década del siglo. Sucesor
del Art Nouveau (Arte nuevo), pone énfasis en el uso de materiales preciosos
que este estilo había impuesto: laca, marfil, ébano, cristal, pero a diferencia
de él prefiere las formas geometrizantes, simples y masivas, y las combinaciones
de colores estridentes. Fue revalorizado como estilo decorativo a partir
de 1960.
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Sus
antecedentes se remontan al arte primitivo, desde la plástica prehistórica.
Este arte prescinde de la motivación temática y suprime la relación entre
realidad y cuadro, entre líneas, planos y colores. El arte abstracto surgió
en la época anterior a la Primera Guerra Mundial y se desarrolló con mayor
fuerza a partir de 1920, manifestándose en diversas corrientes como la
ABSTRACCION CLASICA compuesta a base de rigidez en la forma y el color,
resultado una selección estrictamente intelectual. En 1932 Antonio Pevsner
y Naum Gabo fundaron la escuela de arte no figurativo ABSTRACCION CREACION
ésta escuela de antecedentes cubistas, no logró una síntesis de las artes
plásticas, pero fusionó algunas técnicas de la pintura y la escultura.
Gunther Gerzso, por ejemplo, es considerado pionero del arte abstracto
en México.
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Ha
sido aplicado este concepto al arte que representa no sólo lo que se ve,
sino lo que se sabe que existe. Como tal pertenece más bien al código
de las ideas que al de las formas por sí solas. Recientemente el término
ha tenido como significado el referirse a un estilo que apareció en los
años sesenta y cuyas manifestaciones han sido muy diversas. Su característica
común es la afirmación de que la obra de arte es el soporte de los "conceptos"
o "ideas". Cuando un objeto material es sacado de su contexto ordinario
y es colocado en una galería, o presentado ante los espectadores de cualquier
otro modo, éste es contemplado sólo como un vehículo para la comunicación
de ideas, o un medio de referencia a sucesos o situaciones exteriores
a la representación en cuanto a tiempo y espacio.
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EXPRESIONISMO
CONSTRUCTIVO O CUBISMO representado en la obra de STIJL, grupo holandés
que buscaba hacer visible la esencia de la realidad velada por las formas
individuales de la naturaleza y por el temperamento característico del
artista. Stijl también aspiraba a la expresión de lo universal. Braque,
Picasso, Mondrian, son representantes de esta corriente. Diego Rivera,
durante su estancia en París fue profundamente influenciado por Picasso
y algunas de sus obras de este periodo son cubistas.
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El
Esteticismo surgió como un antecedente del modernismo, la primera manifestación
se presentó a mediados del siglo XIX en Inglaterra, siendo William Morris
propuso un arte para todos y en todos los lugares, evitando así la invasión
de lo corriente e industrializado. En la temática figurativa fueron incluidos
aspectos naturalistas del gótico, elementos florales y vegetales curvilíneos,
siendo la belleza el objetivo principal de toda actividad artística. En
los años ochenta se sintetizaron las corrientes en el esteticismo, integrando
en las composiciones, como rasgo predominante el tema vegetal. Sus principales
representantes fueron W. Morris, J. McNeill Whistler y Beardsley en la
gráfica y W. Crane en los objetos de uso.
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Estilo pictórico que responde a la sensación; los colores el valor más importante de la obra. Su nombre proviene del francés les fauves que significa "las fieras". Al respecto, es conocida la frase del crítico de arte Louis Vauxcelles, cuando al ver una escultura de Marquet (la cual representaba a un niño que recordaba a Donatello), rodeada de cuadros de Matisse, exclamó: "Donatello parmi les fauves." Con el afán de espontaneidad de algunos fauvistas surgió el estilo NAIF o pintura ingenua; Théodore Rousseau fue el primero en realizar cuadros con las características de esta corriente. Amadeo Modigliani realizó obra estilizada de expresión melancólica, otros representantes son Vlaminck y Derain. |
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Esta
tendencia, posterior al cubismo, surgió en Italia durante la primera década
del siglo XX. Su objetivo era crear un arte de acuerdo con el desarrollo
y el mundo del maquinismo. Luigi Russolo, Gino Severini, G. Balla, Carlo
Carrá y Umberto Boccioni realizaron obra con las características de esta
corriente. El primer manifiesto del futurismo fue publicado por Filippo
Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en Le Figaro de París. El 8
de marzo de 1910 en el teatro Chiarella de Turín los pintores futuristas
leían su primer manifiesto redactado en 1909. Esta tendencia afirma: "El
gesto, la actitud que nosotros queremos reproducir sobre el lienzo no
será un instante fijo del dinamismo universal; será resueltamente la sensación
dinámica eternizada como tal." No hay líneas ni imágenes fijas, los objetos
se deforman con vibraciones precipitadas en el espacio. "El espacio no
existe", como tampoco la opacidad de los cuerpos y, por consiguiente,
lo único que cabe reflejar es "la compenetración de los planos". Las propuestas
ofrecían un cambio total en cuanto a la creación plástica. El artista
propuso el cambio al integrar al autor y al espectador en una síntesis
tanto de lo visto como lo recordado o imaginado: todo se funde sobre las
"líneas-fuerzas"; dinamismo, compenetración de planos, simultaneidad,
trascendentalismo físico y estados de ánimo plásticos 1.
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Denominación
con la que se conoce al movimiento plástico contemporáneo, desarrollado
entre 1970 y 1975, aproximadamente, y considerado como una reacción de
la tradición figurativa frente a todo el conjunto de planteamientos conceptuales,
dadaístas, etc. Se caracterizó esencialmente por una descriptiva absoluta,
puramente fotográfico, para lo cual se recurría a medios técnicos -modelado
en vivo, proyección de diapositivas, etc.- o al lenguaje academicista
de índole más barroca. En pintura a veces copia las fotografías o produce
efectos semejantes a ella.
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Contrario
a las manifestaciones artísticas que le antecedieron, el impresionismo
es el resultado de un análisis y no de una síntesis. Esta corriente surgió
en Francia durante el último tercio del siglo XIX. En 1874 fue realizada
la primera exposición colectiva de los impresionistas y entre las obras
expuestas se encontraba un cuadro realizado por Claude Monet, titulado
Impresión, sol naciente, que dio origen al nombre de esta tendencia. El
mismo año, L. Leroy publicó en el Carivari, el artículo: La exposición
de los impresionistas. Entre sus representantes están: Monet, Renoir,
Pissarro, Cézanne, Berthe Morisot, Bazille, Manet, Degas, Toulouse-Lautrec
y Constantin Guys.
La estética de esta tendencia se basa en el mundo objetivo, busca la fugacidad del momento y la realidad circundante Toda imagen impresionista es la expresión de un momento en el movimiento perpetuo de la existencia, la representación de un equilibrio inestable. Así el resultado estaba sujeto a vivencias sensoriales y experiencias ópticas, el pintor trataba de sintetizar en una sola impresión sensible los efectos simultáneos de la luz, color y espacio, los colores que utilizaban se limitaron a los del espectro solar, logrando de los contrastes sus efectos luminosos. Sus antecedentes en cuanto a técnica se fundamentaron en las últimas teorías físicas sobre la composición de la luz. En el aspecto histórico y temático se ubican en los pintores de la escuela veneciana, quienes se anticiparon a la técnica impresionista con la idea de interpretar la luz, los colores y las sensaciones, entre las obras que se aprecian antecedentes de esta tendencia están las siguientes: El "almuerzo sobre la hierba", obra de Manet nos remite al "Concierto campestre" de Giorgione. El "almuerzo de los canotiers", obra realizada por Renoir Recuerda "las Bodas de Caná" de Veronés. También son antecedentes del impresionismo obras realizadas por Goya, Brueghel el Viejo, Rubens, Hals, Turner, Fragonard, Corot... La evolución continuaba, los pintores de Barbizon con las aportaciones al plein air... La composición de los efectos del color en la naturaleza fue definida por Constable. La coloración de las sombras y la ley de los colores complementarios fueron descubiertos por Delacroix.. Ellos iniciaron la visión dinámica; esencia del impresionismo. El artista del impresionismo descubrió la ciudad como paisaje, al retornar la pintura a este lugar, se convierte en arte que describe el ritmo, la versatilidad, las impresiones efímeras... parece contradictorio que al mismo tiempo sea un arte íntimo arraigado en el sentimiento de la originalidad individual, se inicia en estrictas vivencias personales y de experiencias en soledad y aislamiento... Así el impresionismo domina temporalmente la totalidad de las artes, es el último estilo europeo de valor general. Desde su disolución, ni las distintas artes ni las distintas naciones y culturas pueden ser aunadas estilísticamente. El impresionismo representa, junto con el gótico y el romanticismo, una de las más importantes encrucijadas en la historia del arte occidental. |
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El
modernismo floreció en Europa y los Estados Unidos a finales del siglo
XIX y principios del XX, reflejando las diversas características socioeconómicas
de cada país. En Francia se le denominó art nouveau o estilo fin de siecle;
en Bélgica estilo coup de fouet o Velde stile; en Alemania, jugendstil;
Sessionstil en Austria; en Italia, sitle liberty o floral; en Gran Bretaña
y los Estados Unidos se le nombró modern style; en España y los países
de habla castellana, modernismo.
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Estilo
a base de unas cuantas líneas y colores, se originan una simple e inmediata
impresión visual. En la composición hay una recuperación total de la imagen
en absoluta autonomía logrando manifestarse en una trasgresión de la realidad
donde los objetos y el mundo mágico del artista forman la unidad en la
obra. En México se caracterizó a Julio Ruelas dentro de esta corriente.
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El
Renacimiento fue un movimiento cultural que se inició en Italia y que
se extendió por toda Europa. Uno de los rasgos que definen al Renacimiento
es que tomó como fuente de inspiración a la antigüedad clásica. Sus protagonistas
fueron Miguel Angel, Rafael y Leonardo da Vinci, quienes proyectaron en
sus obras: naturalismo, humanismo e individualismo.
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La
palabra romanticismo tiene en su raíz "rom", que contiene el significado
de: antigüedad, Roma y románico. En Inglaterra se le dio el sentido de
romantic, que significa novelesco. (Esta corriente se desarrolló en Europa,
manifestándose como una disposición de estado de ánimo en la que domina
la contradicción cuando el deseo de grandeza rebasa al individuo y cae
nuevamente en la lucha y la limitación). El romanticismo fue una reacción
contra las normas y la académica frialdad establecidas por el neoclasicismo.
Rechazó los ideales de razón, orden, composición, simetría y armonía estéticos.
Esta corriente se manifestó en favor del sentimiento, la emoción, la imaginación
y la asimetría.
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